Al je werk is gekocht door een rijke, bekende verzamelaar. Een beschermheer van de kunsten financiert een jaar atelierpraktijk. Een galerie in NYC wil je laten zien in je eigen soloshow. Een of andere witte ridder verandert je leven voor altijd, sleurt je mee op hun paard en brengt je naar roem.
Dit noemen we grote doorbraken in de kunstwereld.
Maar hier is het ding over grote pauzes, ze komen niet naar je op zoek, je moet ze zelf maken. Meestal komen de grote pauzes in de vorm van kleinere die je tijdens je reis tegenkomt. Sommige zijn misschien groter, maar ze helpen je allemaal om verder te gaan op de weg die je inslaat.
Er is niet één manier om een artiest te zijn. Sommige mensen gaan naar de kunstacademie en doen er residenties, anderen beginnen een YouTube-kanaal en verkopen stickers op RedBubble. Mijn punt is dat er een enorme flexibiliteit is in de manier waarop je ervoor kiest om je werk te verkopen en het soort artiest dat je wilt zijn. Persoonlijk, hoewel ik me aangetrokken voel tot grote artiesten die werk verkopen voor tienduizenden dollars, geef ik er de voorkeur aan mijn werk toegankelijker te maken voor de gemiddelde persoon.
Je moet een fulltime artiest willen zijn. Deze kansen op succes moet je zelf willen creëren. Voor mij betekende dat het sturen van honderden e-mails naar galerieën, kunstadviesbureaus, staging-bedrijven, interieurontwerpers, curatoren, en toen ze niet reageerden, wachtte ik zes maanden en stuur ik ze nog een e-mail met mijn nieuwe werk. Dit betekende dat ik mijn werk online moest sturen, naar lokale kranten en kleinschalige literatuur- en kunsttijdschriften. Toen ik net begon, besteedde ik meer tijd aan het proberen van mijn kunst dan aan het maken ervan.
Mijn eerste pauze was het tentoonstellen van mijn werk in een plaatselijke coffeeshop, daarna ging ik naar een kunstgalerie in een kleine stad en vervolgens een consignatierelatie met een kunstadviesbureau. Ik kreeg al deze kansen in de eerste drie maanden na de opening van mijn bedrijf, maar ik had tot nu toe slechts één schilderij verkocht.
Na vier maanden verkoop ik een paar prenten en een kleine aquarel. Er gebeurt nog twee maanden niets. Ik krijg mijn werk gepubliceerd in een tijdschrift, een studentenkrantenartikel over mij geschreven, maar geen verkoop meer. Mijn prijzen zijn herzien, mijn website is bijgewerkt, er is nieuw werk gemaakt en hoewel mijn online gemeenschap van mensen die van mijn kunst houden groeit, verdien ik nog steeds niet genoeg om mijn onkosten te dekken.
De onvermijdelijke twijfel begint toe te slaan. Moet ik dit echt doen? Is elke dollar die ik besteed aan het kopen van kunstbenodigdheden gewoon een andere dollar?
Eind november komt er weer aan en ik meld me gratis aan voor deze ambachtelijke show (wat zeldzaam is als je geïnteresseerd bent in het verkopen van je werk op ambachtelijke shows, omdat het niet gebruikelijk is om een stand te betalen). Hoewel ik niet echt verwacht dat mijn werk zal verkopen, verlaag ik mijn prijzen met ongeveer 30%, breng een aantal aquarelschilderijen en een aantal van mijn duurdere originele werken binnen, maak reclame voor de show op sociale media en ik wacht.
Ik was bijna uitverkocht in drie uur. Ik had de op één na beste winstdag van iedereen daar, en dat gevoel van validatie was ongelooflijk. Mensen vonden mijn werk leuk! En nog beter, ze waren bereid om het te kopen!
Ik greep elke kans die ik aankon (en sommige die ik niet had, maar zorgde er toch voor dat het werkte) en ik maakte mijn eigen succes.
Moraal van dit verhaal? Er zijn geen grote pauzes die per ongeluk gebeuren, alleen de pauzes die u voor uzelf maakt.
Het kan moeilijk zijn om het licht aan het einde te zien, vooral als je net begint. Het kan gemakkelijk zijn om deze ontmoedigende taak gemakkelijker te maken door een dagelijkse kunstpraktijk te creëren.
